GEORGES BRAQUE Argenteuil (Francia) 1882 - 1963 Parigi "Still Life with Mandolin and Score" 31x36,5, oil on panel Work signed lower right Authentication by Armand Israel issued in Paris on February 18, 2025 Formerly Roland Balay Gallery, Paris (label on the back) French work, as per Certificato di Avvenuta Spedizione (CAS), valid until August 7, 2030, issued by the Ministry of Culture, Superintendency of Archaeology, Fine Arts and Landscape for the Metropolitan City of Turin, Turin Export Office Bibl.: - Compare: "Catalogue de l'oeuvre de Georges Braque. Peintures 1936-1941", Maeght Editore, 1961, reproduced in color on an unnumbered page and in black and white on page 81 Accompanying a Cahier of lithographs dedicated to the collector dated November 26, 1959, "Dear Dr. Amedeo Piccinelli. Souvenir de Paris, le 26 Nov 1959. G. Braque" (�Cahier de George Braque 1917-1947�, 39 x 29 cm, printed on January 26, 1948 in Paris by the Mourlot brothers, containing 94 lithographs after George Braque. The edition was printed in 845 copies, 95 copies on Velin d'Arches (not for sale), containing a color lithograph, signed by the artist, and 750 copies on Velin du Marais which constitute the original edition) The painting comes from an important italian collection, where it has remained to this day. The collector, a doctor and a great art lover, lived in France in the 1940s and treated Braque, as evidenced by the Cahier of lithographs accompanying the work, dedicated to the collector on November 26, 1959, "Dear Dr. Amedeo Piccinelli. Souvenir de Paris, le 26 Nov 1959. G. Braque". ("Cahier de George Braque 1917-1947", 39 x 29, printed on January 26, 1948 in Paris by the Mourlot brothers, containing 94 lithographs d'aprA533;s by George Braque. The edition was printed in 845 copies, 95 copies on Velin d'Arches paper, not for sale, containing a color lithograph, signed by the artist, and 750 copies on Velin du Marais, which constitute the original edition.) "Still Life with Mandolin and Score" was purchased from the Roland Balay Gallery in Paris, as evidenced by the gallery label on the back of the work. The Roland Balay Gallery, located at 10 Avenue de Messine, was directed, from the 1930s to the 1940s, by Louis Carre; and Roland Balay, a French-American gallery owner, director of the famous Knoedler Gallery in New York until 1971. Balay decided to open the Parisian gallery precisely to cultivate his interest in artists such as Picasso, Braque and Klee. The painting depicts a still life, composed of objects typical of Cubist works: in the foreground, a mandolin and a sheet of music, resting on a table, and in the background, a bottle. The setting is that of an interior, with the background created using colored rectangular tiles, with some decorative elements along the left side of the work. The objects are painted in a two-dimensional manner, using a flattened perspective that eliminates the traditional illusionistic depth. The light comes from the white outlines, which delimit and abruptly cut out the profiles of the objects, but also define the space. They mark the transition between one tile of the background and another and create a luminous contrast with the black fields. The bright, unnatural colors of the background, as well as the decorative elements along the left edge of the painting, undoubtedly recall the experience of "Fauve" painting, but with a certain control over the application of color and the balance of the composition, in line with the teachings of Paul Cezanne. Reflecting Cezanne's influence (the retrospective dedicated to the master at the Salon d'Automne in Paris in 1907 was crucial in this regard), we also emphasize the essentiality of the objects' forms and the brushstrokes structured in rectangular tiles, two elements that render the painting an autonomous organism, governed by laws internal to its own structure. The central object of the painting's composition is undoubtedly the mandolin, which appears with a certain consistency in Braque's artistic career. His friendship with Raoul Dufy's brother, Gaston Dufy, from whom he took flute lessons, is the first evidence of his connection to music. Braque was the first to include a musical instrument in his paintings, and Picasso would follow suit (in fact, from the autumn of 1908, both began painting paintings with musical instruments, later incorporating the human figure), but Picasso preferred the guitar, a traditional Spanish instrument. The choice of the mandolin was both formal and symbolic. Indeed, the mandolin, positioned at the center of the composition, represents perspective deformation; that is, the instrument's shape bends to the compositional demands. Furthermore, the mandolin, together with the score, alludes to the conception, frequent in Parisian Symbolist culture, of music as the most immaterial art, capable of existing only in the mind. The musical instrument is the spatio-temporal synthesis of an object that does not play but could play along with the score, and symbolizes, in Apollinaire's words, "the dimension of the infinite, the immaterial, the spiritual" (cited in Jolanda Nigro Covre, "Picasso and Braque," in "Art Dossier: Cubismo", no. 58, June 1991, p. 17). The painting "Still Life with Mandolin and Score" is a mature composition by Braque, who no longer operates through the fragmentation of objects, the use of monochrome and muted hues, and a vertical compositional structure. The painter breaks away from his previous hermetic language to establish a relationship between reality and image in his works. Here Braque has his own personal language, with a careful recollection of his origins (the objects typical of Cubist paintings, the two-dimensional representation, the flattened perspective, the Cezanne model) but with a keen eye on the experiences of the Fauves and a more relaxed synthesis in the creation of a lived-in, familiar, homely, warm space, in which "the painting is no longer a dead portion of space" (cit. in Jean Metzinger, "Notes on Painting" in "Pan", October-November 1910, pp. 649-651).

MIMMO ROTELLA Catanzaro 1918 - 2006 Milano Lotto di tre quadri: A) "Senza titolo" 1956 circa B) "Tempi lontani" 1959 C) "Senza titolo" 1960 A) 35x30, décollage su cartoncino, manifesti bruciati, colla B) 24x30, retro d'affiche su tela C) 37,7x27,5, décollage su tavola A)Opera firmata in basso a destra B)Opera firmata in basso a sinistra e al retro con data e titolo C)Opera firmata e datata in basso a destra A)Già Collezione privata, Roma Bibl.:-G. Celant, "Mimmo Rotella", catalogo ragionato, Skira, Milano, Vol. I (1944-61), Tomo II, 2016, ripr. a colori n. 114 p. 580 B) Opera registrata presso la Fondazione Mimmo Rotella, Milano, con il codice 2595RA959/959 (autentica rilasciata a Milano l'8 luglio 2020) Già Galleria d'Arte Rotta Farinelli, Genova (timbro al retro sul telaio) C)Già Collezione privata, Bolzano Già Galleria Acccademia, Torino Bibl.:-G. Celant, "Mimmo Rotella", catalogo ragionato, Skira, Milano, Vol. I (1944-61), Tomo II, 2016, ripr. a colori n. 028, p. 672 Il lotto è composto da tre quadri realizzati in date distinte, nell’arco di pochi anni: "Senza titolo" del 1956 circa, "Tempi lontani" del 1959 e "Senza titolo" del 1960. Alla distanza cronologica si contrappone una conformità tecnica e stilistica: l’uso del décollage e del retro d’affiche, che prevedono entrambi la manipolazione dei manifesti che l’artista prelevava dalla strada. Rotella approda al collage nel 1953, quando rimane colpito dai volantini che ricoprivano i muri della città di Roma. Capisce subito che doveva creare qualcosa di alternativo alla pittura, soprattutto a quella informale, che iniziava a subire una crisi profonda, che sarebbe poi culminata con la XXXII Biennale di Venezia del 1964 e la consacrazione della Pop Art in Italia. Rotella inizia, dunque, a strappare i volantini e a portarli nel suo studio in Piazza del Popolo a Roma. In realtà i lavori dell'artista condividono con l’arte informale l’aspetto casuale e involontario, o almeno in apparenza, della creazione artistica, ma al contempo anticipano la Pop Art di dieci anni, per l’utilizzo di uno degli strumenti simbolo della società dei consumi, ovvero il manifesto. Nello Ponente, critico e storico dell’arte, affermava che Rotella nei suoi lavori utilizzasse il collage come mezzo per giungere alla sensazione fisica della materia, mentre lo strappo per dirigere il ritmo della composizione. Lo strappo era anche il punto in cui convergevano sia la carica drammatica che quella surreale, carica di umorismo. L’attenzione dell’artista negli anni Cinquanta è tutta indirizzata sugli effetti di colore scaturiti dai pezzi di carta incollati - nel caso dei décollage- o sulla materia lasciata dai muri e dalle intemperie –nel caso dei retro d’affiche. Il risultato è la creazione di opere astratte, talvolta monocrome, come nel caso di “Tempi lontani”. Dai primi anni Sessanta invece compaiono le immagini pubblicitarie e le icone del cinema e, a volte, del circo. Personaggi famosi che permettono alle opere di essere subito riconoscibili nonostante le lacerazioni. Si segnala l’esposizione “Mimmo Rotella 1945 – 2005”, organizzata per i vent’anni dalla scomparsa dell’artista, presso Palazzo Ducale di Genova dal 24 aprile al 13 settembre 2026. La mostra è curata da Alberto Fiz in collaborazione con la Fondazione Mimmo Rotella, la quale ha emesso nel 2020 il certificato di autenticità dell’opera "Tempi lontani" del 1959. "Senza titolo" del 1956 circa e "Senza titolo" del 1960 sono invece pubblicati su “Mimmo Rotella. Catalogo Ragionato. Volume Primo 1944-1961”, a cura di Germano Celant e edito da Skira nel 2016.

ROBERTO ANTONIO SEBASTIAN MATTA ECHAURREN Santiago del Cile (Cile) 1911-2002 Civitavecchia (Italia) "Senza titolo" 1969 103x82, olio su tela Opera firmata in basso a sinistra e iscritta al retro e sul telaio Autentica dell'Archivio dell'Opera di Matta (responsabile Germana Ferrari) rilasciata l'8 settembre 1992, con n. 69/119 e recante data 1969 Provenienza: Galleria Carini, Milano; Collezione Vimercati, Monza Timbro al retro non decifrato Già Galleria Accademia, Torino (timbro al retro e etichetta al retro sul telaio che reca data 1961 e n. 8014) Bibl.:-"Italia Arte", Febbraio 2011 Roberto Antonio Sebástian Matta Echaurren nasce a Santiago del Cile e, dopo gli studi in architettura, si trasferisce a Parigi, dove aderisce al Surrealismo e lavora con Le Corbusier. Dopo una serie di trasferimenti in Europa e negli Stati Uniti, dagli anni Sessanta si stabilisce definitivamente in Italia, a Tarquinia. Il quadro di Matta, l'ultimo dei grandi Surrealisti, viene proposto in vendita esattamente un secolo dopo l’apertura a Parigi della Galerie Surréaliste, dove furono allestite le prime mostre (a partire da quella di Man Ray il 26 Marzo 1926) del Movimento nato nel 1924 col famoso Manifesto Surrealista. Pur legato a questo contesto, Matta si distingue dai principali artisti surrealisti: tralascia l'elemento figurativo, in favore della sua immaginazione, la quale dialoga in relazione agli eventi esterni. La composizione del quadro presenta un ambiente che richiama al tempo stesso un "fondale marino e un inferno cosmico"(cit. Gavin Parkinson). Le figure sono delineate da contorni netti di color nero, una scelta formale in linea con la formazione di Matta in architettura e che dimostra con una precisione tecnica nel disegno. Sono figure difficilmente identificabili, che si articolano in "forme costolute e tentacolari" e che evocano sia gli organismi viventi che i macchinari industriali. Come osservato da Italo Calvino, si tratta di presenze “tra il preistorico, il totemico e il fantascientifico che si agitano come mosse dal suono d’un sassofono sotterraneo”. Nel biennio 1967-1968 Matta realizza quadri impegnati, come "Les Juges partent en guerre" o "La Chasse aux adolescents", sulla rivoluzione del maggio francese. l'opera proposta realizzata nel 1969 appare invece un'opera sospesa tra inconscio e realtà, capace di evocare un universo complesso che da un lato riflette le tensioni dell'epoca, dall'altro dà prova del linguaggio visionario e originale del pittore, in linea con il coevo sviluppo del filone del fantascientifico.